Версия для печати

Жизнь в музыке

Дайджест. Курган. 2023

«Музыка начинается там, где кончаются слова».

Генрих Гейне

Не существует такого человека, который бы не любил музыку. Кто-то любит классическую музыку, кто-то - современную. Музыка вокруг нас, музыка внутри нас. Музыка открывает человеку дверь в другой мир. Она зачаровывает, заставляет нас грустить, плакать, смеяться.

Создавать музыку может далеко не каждый. Чтобы написать красивую и качественную мелодию требуется талант, терпение и целеустремлённость. Этими качествами обладают композиторы.

Дайджест «Жизнь в музыке» знакомит с жизнью и творчеством композиторов, юбилеи которых отмечаются в 2023 году.

В работе использованы книги и статьи из периодических изданий, а также электронные ресурсы.

Выявление литературы велось по Электронному каталогу и Систематической картотеке статей Центральной городской библиотеки им. В. В. Маяковского.

Материал сгруппирован по хронологическому принципу.

Дайджест будет интересен как музыкантам, так и любителям музыки.

Содержание

«Я люблю тебя, жизнь» (к 100-летию со дня рождения Эдуарда Колмановского)

Михаил Гнесин: жизнь в музыке

Композитор уникальной творческой судьбы (к 120-летию со дня рождения Матвея Блантера)

Плодовитый композитор эпохи барокко Луиджи Боккерини

Александр Даргомыжский - гений музыкальной драмы

Антонио Вивальди - композитор и священник

«Я люблю тебя, жизнь»

(к 100-летию со дня рождения Эдуарда Колмановского)

«Хотят ли русские войны», «Я вернусь к тебе, Россия», «Я люблю тебя, жизнь», «Женщине, которую люблю», «Алёша», «Диалог у новогодней ёлки», «Я работаю волшебником», «Наши мамы в платьях подвенечных». Это все Колмановский. Замечательный композитор оставил после себя большое наследие. В его репертуаре около двухсот песен, сюиты, пьесы, романсы. Его музыка актуальна и в наши дни.

Эдуард Савельевич Колмановский родился 9 января 1923 года в Могилёве, но детство его прошло в Москве, куда переехала семья, когда Эдуарду исполнилось шесть лет. В школе учился хорошо, но главным увлечением была музыка. Родители своевременно заметили это и записали ребенка в музыкальную школу.

Окончив музыкальную школу и музыкальное училище им. Гнесиных, Эдуард продолжил обучение в Московской консерватории по классу композиции В. Я.Шебалина. Он занимался классической музыкой и считал себя композитором-академистом. Дипломная работа «Концерт для альта» - определила направление первого периода его творчества. В начале пятидесятых годов он создал цикл из трех сюит для симфонического оркестра - «Лирическая», «На греческие темы» и «Славянская». В них проявилось тонкое чувство стиля и умение сохранить неповторимый дух фольклорного первоисточника.

После окончания консерватории Эдуард Колмановский пять лет работал в музыкальной редакции Радиокомитета. В годы работы на радио он сочиняет камерные и симфонические произведения, пьесы для эстрадного оркестра. Тесно сотрудничает с известными поэтами и пишет песни.

В 1955 году пришел первый большой успех. Колмановский написал музыку к спектаклю «Двенадцатая ночь». Жизнь песен в шекспировской постановке вышла за пределы театральной рампы. «Песня Шута» на стихи Павла Антокольского в исполнении Владимира Трошина зазвучала на концертных площадках, в радиоэфире.

В 1958 году были написаны песни «Тишина» на стихи Виктора Орлова и «Я люблю тебя, жизнь» на стихи Константина Ваншенкина, которые получили всенародную известность. Проявилось удивительное умение Колмановского поведать о самом возвышенном с видимой простотой, без вычурности и излишней патетики, как бы размышляя вслух. Чёткий ритм песен гармонично сочетался с мягким мелодическим рисунком, полным сердечной теплоты.

В 1961 году на стихи Евгения Евтушенко была написана песня «Хотят ли русские войны». Эта песня-манифест, призыв к миру. Искренность, проникновенность стихов подчеркивается строгой, приближенной к естественной речи мелодией, суровым ритмом. Первым исполнителем этой песни был Марк Бернес. Вскоре песня зазвучала на английском, французском, немецком, испанском языках в исполнении солистов и хоров.

В том же 1961 году родилась еще одна песня на стихи Евгения Евтушенко «В нашем городе дождь», ставшая одной из вершин советской песенной лирики. И в дальнейшем песенном творчестве композитора присутствовала естественность выразительных средств, характерная для лучших народных мелодий.

Все песни Колмановского написаны на прекрасные стихи Евгения Евтушенко, Константина Ваншенкина, Льва Ошанина, Леонида Дербенева, Михаила Танича, Расула Гамзатова, Николая Доризо, Евгения Долматовского и многих других.

Колмановский сумел придать песням очень личностные, человечные эмоциональные краски, что делало эти песни популярными не только в торжественной обстановке праздничных залов, но и в застольном исполнении простых людей. Такими стали «Я вернусь к тебе, Россия» (1963), «Мы вас подождем» (1963), «Алёша» (1966), «Всё ещё впереди» (1966) и другие.

Особая выразительность и чистота стиля присущи лирическим песням Колмановского: «Бирюсинка» (1963), «Вальс о вальсе» (1963), «Я работаю волшебником» (1964), «Журавлёнок» (1964), «Я улыбаюсь тебе» (1965).

Многие песни композитор посвящал своей жене Тамаре. С ней Колмановский познакомился, когда учился во втором классе. Ему очень понравилась новенькая одноклассница, и он ещё тогда, в глубоком детстве, решил, что она - его судьба.

Ему было тринадцать, ей двенадцать. Они поклялись друг другу в вечной любви и решили пожениться когда станут совершеннолетними.

В 1943 году в Москве состоялась свадьба. Тамара Наумовна Майзель стала верной спутницей Колмановского, его музой, женой, матерью их сыновей Сергея и Александра.

Но зимой 1968 года случилась трагедия. Тамара Наумовна погибла в автокатастрофе. Ей было 44 года.

Композитор тяжело переживал ранний уход жены. До самой смерти Колмановский жил вдовцом, свято храня память о жене.

Последующее творчество композитора притерпело развитие в сторону философского осмысления жизни – «Наши мамы», «Моя тайна» и «Мужчины» (1973), «Поговорим с тобою, сын» (1974), «Лишь одна» (1975), «Ребят позабыть не могу» (1975),«Чета белеющих берез» и «Где ты раньше был?» (1976), «Картофельное поле» (1977), «Диалог у Новогодней ёлки» (1978), «Женщине, которую люблю» (1979), цикл песен на стихи П.-Ж. Беранже (1981), в которых можно найти выражение всех чувств и переживаний человека.

У песен Колмановского счастливая судьба. Их постоянно исполняли и продолжают исполнять многие известные певцы, в том числе зарубежные.

Особое место в творческой деятельности Эдуарда Колмановского занимают песни к театральным постановкам. Одной из самых известных работ стала музыка к спектаклю «Голый король», с которого началась деятельность московского театра «Современник». В конце шестидесятых годов композитор пишет мюзиклы - «Том Кенти» для Центрального детского театра, а также «Женский монастырь» и «Старые друзья» для Московского театра Сатиры.

С середины пятидесятых годов он плодотворно работает в кино. Первым опытом стала музыка к мультфильму «Ореховый прутик», снятому по мотивам словацких сказок. Композитор вновь обратился к фольклорному материалу и развил отдельные темы, взятые из своих ранних работ.

Впоследствии он писал музыку и к полнометражным картинам. Самыми известными его работами считаются фильмы «По семейным обстоятельствам» и «Большая перемена». Песня из последнего фильма «Мы выбираем» стала песенным дебютом на эстраде актрисы Светланы Крючковой.

Эдуард Савельевич Колмановский ушел из жизни 27 июля 1994 года. Похоронен на Введенском кладбище, рядом с любимой супругой.

Источники:

1. Игнатьева, Мариам Ароновна. Эдуард Колмановский / М. Игнатьева. - Москва : Советский композитор, 1983. - 150, [2] с., [9] вкл. л. ил. - Текст : непосредственный.

2. Эдуард Колмановский : официальный сайт Сергея Колмановского. - URL: http://e-kolmanovski.narod.ru/ (дата обращения: 04.01.2023). - Текст. Изображение (неподвижное, двухмерное). Музыка (исполнительская) : электронные.

3. Колмановский, Сергей. В трубных звуках весеннего гимна / Сергей Колмановский. - Текст : электронный // Семь искусств: наука, культура, словесность : журнал. - 2018. - № 1 (94). - URL: https://7i.7iskusstv.com/2018-nomer1-kolmanovsky/ (дата обращения: 04.01.2023).

4. Колмановский, Сергей. Пока я помню... / Сергей Колмановский. - Текст : электронный // Семь искусств: наука, культура, словесность : журнал. - 2015. - № 12 (69). - URL: https://7iskusstv.com/2015/Nomer12/Kolmanovsky1.php ; 2016. - № 1 (70). - URL: https://7iskusstv.com/2016/Nomer1/Kolmanovsky1.php ; 2016. - № 2 (71). - URL: https://7iskusstv.com/2016/Nomer2/Kolmanovsky1.php ; 2016. - № 3 (72). - URL: https://7iskusstv.com/2016/Nomer3/Kolmanovsky1.php ; 2016. - № 4 (73). - URL: https://7iskusstv.com/2016/Nomer4/Kolmanovsky1.php (дата обращения: 04.01.2023).

5. Сидоровский, Лев. Вспоминая композитора Эдуарда Колмановского / Лев Сидоровский. - Текст : электронный // Глагол. Иркутское обозрение : сетевое издание. - URL: https://glagol38.ru/text/10-01-2022/004 (дата обращения: 04.01.2023).

Произведения Эдуарда Колмановского:

1. Колмановский, Эдуард Савельевич. Избранные песни : для голоса (хора) в сопровождении фортепиано / Эдуард Колмановский. - Москва : Советский композитор, 1987. - 157, [1] с. : ил. - Музыка (знаковая) : непосредственная.

2. Эдуард Колмановский : песни для голоса в сопровождении фортепиано (баяна, гитары) : очерк о жизни и творчестве / авт.-сост. Мариам Игнатьева и Алексей Владимиров. - Москва : Музыка, 1983. - 79, [1] с. : ил. - (Композитор и песня). - Текст. Музыка (знаковая) : непосредственные.

Михаил Гнесин: жизнь в музыке

Михаил Фабианович Гнесин - российский композитор, профессор композиции Московской и Ленинградской консерватории. Автор около 50 романсов, музыки к спектаклям и кинофильмам, обработок народных мелодий. Его перу принадлежит «Начальный курс практической композиции», книга «Мысли и воспоминания о Римском-Корсакове», ряд статей.

Но, несмотря на это, он умер недооцененным. Наследие Гнесина вышло из тени лишь в последние годы ХХ века, несмотря на то что благодаря ему нашли свой путь десятки знаменитых музыкантов.

Деятельность Михаила Фабиановича Гнесина была исключительно разносторонней и масштабной. Он является главой большой композиторской школы гнесинцев – основателем и первым заведующим творческим отделом в Техникуме (Училище) имени Гнесиных и кафедрой композиции Института имени Гнесиных. Замечательный композитор, чья музыка незаслуженно редко звучит на сцене. Музыкальный деятель редкого масштаба. Выдающийся педагог, чьи ученики составили славу российской музыки, а один из них – Арам Хачатурян – превзошёл и своего учителя, став мировым классиком. Глубокий исследователь и учёный. Человек широчайшей эрудиции, разнообразнейших интересов и редкой принципиальности – всё это уживалось в сложной и богатой личности Гнесина. Жизнь Михаила Фабиановича была полна ярких событий и резких поворотов судьбы.

Родился он 2 февраля (21 января ) 1883 года в Ростове-на-Дону, в семье казённого раввина, гласного городской думы Фабиана Осиповича Гнесина и Беллы Исаевны Флетзингер. С детства его окружала музыка – пять старших сестёр играли и получили профессиональное образование в Москве, мать была певицей-любительницей. Певцом стал и младший брат – Григорий, с которым они был особенно близки.

В раннем детстве научился играть на скрипке, неплохо пел, стал пробовать силы в композиции. Ему не было ещё и восьми лет, когда он написал первое свое произведение.

В 1899 году Михаил окончил реальное училище и получил начальное музыкальное образование, обучаясь у прекрасного педагога О. О. Фритче.

В 18 лет он поступил в консерваторию Петербурга. Его педагогом был сам Н. А. Римский-Корсаков. Общение с великим музыкантом определило основополагающие принципы всего дальнейшего творчества молодого композитора. До конца жизни Римский-Корсаков оставался главным идеалом для Гнесина.

Обучаясь в Петербурге, Михаил окунулся в атмосферу искусства Серебряного века. Он посещает поэтические вечера в обществах символистов. Знакомство с Вяч. Ивановым, А. Блоком, К. Бальмонтом, Ф. Сологубом произвело на молодого композитора яркое впечатление, а их творчество оказалось самой подходящей питательной основой для его произведений. Он положил на музыку многочисленные стихи символистов, и его романсы - "стихотворения в музыке" - ознаменовали формирование собственного стиля Гнесина как своеобразного художника Серебряного века. Особенно часто он обращался к сочинениям Бальмонта, а наибольший успех принесли ему песни из драмы Блока "Роза и крест".

Михаил Гнесин довольно быстро становится одним из наиболее ярких молодых композиторов, принимает участие во многих циклах современной музыки, получает признание – в то время самую авторитетную премию имени Глинки. Замечательные певцы И. Алчевский и К. Дорлиак, пианист М. Бихтер становятся постоянными пропагандистами его музыки. "Добрым гением", подлинным покровителем молодого композитора был и знаменитый пианист и дирижёр А. Зилоти, по всей стране включавший новые сочинения Гнесина в программы руководимых им концертов Русского музыкального общества. Премьеру виолончельной Сонаты-баллады Зилоти играл с величайшим испанским виолончелистом П. Казальсом. Творчество М. А. Врубеля также послужило плодотворным источником для Гнесина, после его кончины создавшего симфонический дифирамб "Врубель". Сочинение это, как и ряд других, было посвящено жене художника – изумительной певице Н. И. Забеле-Врубель, вдохновившей композитора на создание ряда вокальных произведений и бывшей их первой исполнительницей, и принесло ему вторую премию имени Глинки.

Творческие искания символистов и увлечение античностью сближают музыканта с великим театральным новатором Вс. Мейерхольдом. В студии Мейерхольда он разрабатывает свою теорию "музыкального чтения" в античной драме, занимается с актёрами и пишет музыку на тексты античных трагедий для предполагаемых студийных постановок выдающегося режиссёра.

В 1905 году Михаил присоединяется к студенческому движению во время революции 1905 года. В бурных событиях в Петербургской консерватории, акциях протеста студентов он участвовал как один из главных руководителей. Это привело его к аресту и исключению из консерватории. Через год Гнесин был восстановлен в консерватории.

Известность композитора растёт – его произведения вызывают споры слушателей и критиков, постоянно издаются, исполняются и за границей. После окончания консерватории в 1909 году его имя заносится на доску выдающихся выпускников.

Гнесин видит главное своё предназначение в благородной идее просветительства. Он уезжает в Екатеринодар, а затем в Ростов, где проводит лекции и концерты, преподаёт, становится первым директором консерватории, при этом ещё и читая лекции по античному искусству в Археологическом институте. Это были годы Первой мировой и Гражданской войн (1913-1921). Власть в Ростове несколько раз переходила из рук в руки, происходили сражения, расстрелы, разрушения, но энергия Гнесина сумела привести к реализации всех планов и поднять на небывалую высоту культуру города в этих обстоятельствах.

В начале 1920-х годов Гнесин уезжает в Берлин. Здесь у него есть преподавательская работа, возможности издаваться. В Европе растёт интерес к его творчеству.

Но все же в 1923 году Михаил вместе с семьёй возвращается в Москву. Он работает в Училище имени Гнесиных, где сразу же открывает там творческий отдел. Здесь Гнесин впервые применяет новый принцип преподавания композиции: в отличие от всей предшествующей практики он считает, что заниматься сочинением с композиторами надо сразу, а не после изучения ими теоретических предметов. Обобщением опыта позже стал его уникальный учебник по практической композиции, а новый принцип распространился на все учебные заведения страны. Более того, в школе Гнесиных по его инициативе вводятся занятия композиции для детей – подобная идея ранее вообще считалась нелепой. Результаты говорят сами за себя: в 1920-е годы в классе Гнесина занимались будущие крупные композиторы А. Хачатурян, Т. Хренников, С. Кац, Е. Голубев, Е. Месснер, С. Разорёнов, А. Степанян, Ю. Слонов, А. Эшпай и многие другие, а также дирижёр Е. Акулов, музыковеды С. и О. Скребковы. Активную педагогическую и просветительскую деятельность он ведёт и в стенах Московской консерватории. Став деканом нового педагогического факультета консерватории, он руководит классом композиции, организует работу по воспитанию музыкантов-просветителей, так называемых инструкторов самодеятельных коллективов, клубов, которые должны были развернуть просветительскую деятельность по всей стране. В это же время он пишет героико-патетический "Симфонический монумент" к 10-летию Октябрьской революции, гротескно-комедийную музыку к знаменитому спектаклю Мейерхольда "Ревизор".

Однако постепенно его музыка звучит всё реже. Поэзия символистов объявлена "декадансом", а вместе с этим закрывается доступ на эстраду написанным на их стихи романсам Гнесина. Еврейская национальная музыка тоже оказывается на обочине узаконенного "главного пути" в искусстве. Из-за огромной педагогической, административной, общественной работы, а также и из-за вынужденной борьбы за свои убеждения интенсивность творчества композитора ослабевает – он сочиняет значительно меньше. И хотя в начале 1930-х годов учебный процесс в консерватории нормализуется, педагогический факультет с его просветительскими идеями оказывается уже "не ко двору" и закрывается. Михаил Фабианович испытывает серьёзный кризис, к тому же в 1934 году умирает его первая жена.

Он решает вернуться в "alma mater" – переезжает в Ленинград и становится профессором консерватории. Здесь обстановка способствует спокойной творческой работе. Гнесин пользуется огромным уважением среди студентов и педагогов, его эрудиция восхищает: нередко он замещает заболевших педагогов, читая вместо них лекции по истории искусства самых разных эпох. Продолжаются его изыскания в области фольклора: во многих сочинениях он использует народную музыку, теперь уже самых разных народов СССР – Кавказа, Поволжья, Средней Азии. Всю жизнь, глубоко изучая творчество Римского-Корсакова, пишет книгу о нём – работа эта была завершена лишь незадолго до смерти Гнесина.

Однако драматические события не отступают. В 1937 году незаконно репрессирован и расстрелян младший брат – талантливейший певец, актер и писатель Григорий. А затем мирная работа в Ленинграде прерывается войной. В начале блокады Гнесин со второй женой эвакуированы в Йошкар-Олу, а осенью 1942 года они присоединяются к коллективу Ленинградской консерватории, вывезенному в Ташкент. И здесь Михаила Фабиановича ждёт самый страшный удар – умирает его единственный сын. Он испытывает глубочайшую депрессию. Но именно тогда сила творческого вдохновения спасает его: он пишет замечательное трио "Памяти наших погибших детей", произведение, являющееся памятником-плачем по своему сыну, как и по всем детям, чью жизнь оборвала война. Созданное величайшим напряжением душевных сил, Трио вызывает горячий отклик у слушателей и, в каком-то смысле, знаменует возрождение творческой силы композитора.

В 1944 году Гнесин возвращается в Москву и возглавляет кафедру композиции Института имени Гнесиных. В это время появляется «Соната-фантазия» для квартета, которая удостаивается Сталинской премии. Официальное признание, однако, это не спасает от новых гонений.

Наступает 1948 год – кампания по борьбе с "формализмом в музыке", обрушившаяся на крупнейших композиторов страны. Сам Гнесин считается представителем старой классической школы и под обвинения не попадает. Но его кафедру в Институте приказано закрыть "за недостаточную идейно-воспитательную работу со студентами". Гнесин вынужден принять тяжёлое для себя, но спасительное для своего дела решение: он просит сохранить кафедру ценой собственного ухода и передаёт заведование своему ученику – Араму Хачатуряну.

Вынужденно находясь на пенсии Гнесин продолжает активно работать – пишет новые сочинения, статьи, воспоминания.

5 мая 1957 года сердце Михаила Фабиановича Гнесина остановилось.

Сегодня Михаила Гнесина порой причисляют к «забытым» композиторам. Его музыкой редко интересуются новые поколения исполнителей. Слышать её приходится всё реже.

Но Михаил Фабианович Гнесин оставил по-настоящему большой и глубокий след в нашей культуре.

Источники:

1. Архипова, М. М. Ф. Гнесин и его теория «Музыкального чтения» / М. Архипова. - Текст : электронный // КиберЛенинка. - URL: https://cyberleninka.ru/article/n/m-f-gnesin-i-ego-teoriya-muzykalnogo-chteniya (дата обращения: 30.01.2023).

2. Жуков, Никита. По главной улице с оркестром. Как сын раввина привил Ростову любовь к музыке / Никита Жуков. - Текст : электронный // Нация. Сборная России по здравому смыслу. - URL: https://nationmagazine.ru/people/po-glavnoy-ulitse-s-orkestrom-kak-syn-ravvina-privil-rostovu-lyubov-k-muzyke/ (дата обращения: 30.01.2023).

3. Карачевская, М. А. "Розариум" М. Ф. Гнесина и камерная вокальная музыка Серебряного века / М. А. Карачевская. - Текст : электронный // КиберЛенинка. - URL: https://cyberleninka.ru/article/n/rozarium-m-f-gnesina-i-kamernaya-vokalnaya-muzyka-serebryanogo-veka (дата обращения: 30.01.2023).

4. Михаил Фабианович Гнесин (02.02.1883 – 05.05.1957) . - Текст : электронный // Мемориальный музей-квартира Ел. Ф. Гнесиной, 2016-2022. - URL: https://www.gnesina-museum.com/mihail-fabianovich (дата обращения: 30.01.2023).

5. Хаздан, Евгения Владимировна. Две палестинские поездки М. Ф. Гнесина / Е. В. Хаздан. - Текст : электронный // КиберЛенинка. - URL: https://cyberleninka.ru/article/n/dve-palestinskie-poezdki-m-f-gnesina (дата обращения: 30.01.2023).

6. Шелудякова, О. «Антигона» М. Гнесина: на пересечении музыки и речи / О. Шелудякова, Е. Дядькина // Искусство в школе. - 2005. - № 5. - С. 46-49.

Композитор уникальной творческой судьбы

(к 120-летию со дня рождения Матвея Блантера)

Песни Матвея Блантера любимы многими. Они звучат повсюду. Их мож­но услышать в концертном зале и по радио, в исполнении известных артистов и прославленных музыкальных ансамблей. Поют их и люди, не имеющие подчас ни особого голоса, ни музыкального слуха, а просто вспоминающие полюбившийся мотив, находясь в грустном, а иной раз и веселом настроении. Словом, песни Блантера стали частью нашего быта, естественно вошли в нашу жизнь, и редкий композитор может похвастаться подобной популярностью. Прекрасна и завидна судьба этих песен. Ими мог бы гордить­ся любой художник.

Георгий Свиридов

Матвей Исаакович Блантер родился в семье ремесленника 10 февраля 1903 года в маленьком городке Почепе Черниговской области. Вскоре семья переехала в Курск. Здесь и началась музыкальная карьера будущего композитора. Мать, Татьяна Евгеньевна, очень интеллигентная и образованная женщина, считала, что дети должны быть музыкально грамотными. В семь лет Матвей стал заниматься игрой на фортепиано. Мальчик быстро проявил музыкальные способности: всего через год он уже свободно играл сонатины Клементи, инвенции Баха.

«Музыка «преследовала» меня все детство, - вспоминает Блантер. - В реальномучилище, куда я поступил восьми лет, был прекрасный хор. Им руководил наш любимец -учитель рисования. В класс он приходил со скрипкой, и играя на ней, нежно аккомпанировал детским голосам. Этобыло чудесно!

По праздникам в училище выступал сводный хор учащихся. Пелиa capella. Помню, как в 1913 году в день трехсотлетия царствования Романовых наш хор исполнял «Вечерний звон». Я солировал. Мне очень нравилось, как «моей» задумчивой мелодии отвечало стоголосое «бом-бом» .

Музыка все больше увлекала мальчика. Он радовался любой возможности соприкосновения с ней.

В Курске гастролировали московские музыканты. Билеты стоили дорого. И Матвей устроился на подсобную работу - переворачивал нотные страницы аккомпаниаторам. За это он присутствовал на всех концертах. «Как околдованный слушал я Калинникова. Какой-то необъятной ширьювеяло на меня от его симфонии. Казалось, что я зримо ощущаю полюбившуюся мне картину: поле бескрайнее, осеннее. И две березки, словно обнявшиеся перед бурей...» .

Покорили мальчика скрипачи, и он решает изучать этот инструмент. Ему повезло: с началом Первой мировой войны из Риги в его родной город перебралось Императорское музыкальное училище. В училище с Матвеем занимался отличный педагог А. Егудкин, и положительный результат был достигнут скоро. Прошел год-полтора, и ученик уже выступал вместе с учителем. Их можно было увидеть с небольшим оркестром в антрактах спектаклей Курского драматического театра.

В четырнадцать лет Матвей поступает в филармоническое училище в Москве. Молодой музыкант занимается в классе профессора А. Могилевского.

Талантливого паренька заметил опытный музыкант и педагог И. Потоловский. «На одном из уроков по гармонии, - вспоминал Матвей Исаакович, - я показал Потоловскому выполненное задание- четырехголосный хорал. Долго, внимательно Потоловский смотрел в мою нотную тетрадь, а потом неожиданно спросил: «Вы никогда не пробовали сочинять?» Вопрос уважаемого маэстро угодил, что называется, в точку. Я очень полюбил импровизировать» .

События, развернувшиеся в годы учения Блантера, многое изменили в его биографии: свершилась революция, грянула Гражданская война.

«Юноша оказался в бурном водовороте жизни, - рассказывает В. И. Зак. - А жизнь требовала мгновенной реакции на происходящее. Возникало множество театров и театриков, ставивших злободневные пьесы. Блантер стал музыкальным оформителем любительской эстрадной труппы, подбирал хлесткие частушки, помогал ставить острые водевили. На некоторое время судьба забросила его ввоинскую часть, - здесь срочно требовался аккомпаниатор. Но наиболее существенный период начала творческой биографии Блантера - Мастфор. Мастфор - значит Мастерская Форрегера (по сути дела это название театра). Н. М. Форрегер - одаренный режиссер ставил броские миниатюры, театрализовал песенки и танцы. Духу театра соответствовали темы публицистического звучания: со сцены беспощадно бичевались эксплуататоры, зло высмеивалосьрусскоемещанство. Театр пользовался поддержкой прогрессивныхдеятелейискусства. Его посещали Владимир Маяковский, Всеволод Мейерхольд, Александр Таиров» .

Позднее композитор подвел итог работы в театре: «Я набил себе руку. Стал быстро, оперативно, писать для оркестра, делать обработки, приспосабливать различный музыкальный материал к данному спектаклю» .

Это был не последний театр, где работал Блантер. В 1926-1927 годах в Ленинградском театре сатиры он занимал должность заведующего музыкальной частью. На этой должности он работал и в Магнитогорском государственном театре и в Горьковском театре миниатюр (1932-1933).

Первые композиторские работы Матвея Блантера относятся к области музыкального театра: то были оперетты на либретто поэта Андрея Глобы - «Нос президента» (для Московского театра оперетты) и «Сорок палок» (Театр сатиры).

В двадцатые годы Блантер создает целый ряд популярных шлягеров. Он сочинил «Багдад» и «Фудзияму», стал автором знаменитого фокстрота «Джон Грей» и танго «Сильнее смерти».

Как пишет В. И. Зак: «Псевдолирические танцевальные «песни настроения», душераздирающие «песни богемы», отнюдь не отвечавшие высоким вкусам, тем не менее, были нередко и наустахмолодежи, искренно верившей в новую жизнь. Объяснить этонетрудно. В те годы еще не была найдена новая лирика, которая воплотила бы строй чувств советского человека. А потребность в лирическом выражении была весьма ощутима, потому и появлялись песенные эрзацы. Их принимали, если мелодия быстро запоминалась, если пелась удобно» .

Но успех не вскружил голову молодому композитору: «Иногда мне казалось, что я хожу по лезвию ножа. Меня не очень радовал успех у посетителей столичных ресторанов ив«добропорядочных» домах, где рядом с фикусами процветали мои опусы. Думал я все время и о том, как продолжить музыкальное образование.Решил рискнуть - пойти к профессору Г. Э. Конюсу,который в это время вернулся в Москву из Саратова. Пришел прямо кнему домой. Сказал, что служу в театре, хочу учиться.

...Беседовали мы долго. О жизни. О музыке. Играли в четыре руки.Рядом с Конюсом мне было как-то особенно неловко, что я - автор«шансонеток». И я умолчал о своем грехе. Георгий Эдуардович согласился заниматься со мной, и его уроки были для меня настоящимпраздником. Мне казалось, что только с ним я постигаю истинныетайны гармонии, только с ним осознаю секреты музыкальнойформы...

Наши контакты, которые стали такими крепкими, неожиданно прервались... Дело в том, что профессор стал свидетелем моего «грехопадения»... Я зашел как-то в нотный магазин на Кузнецком мосту и увидел у прилавка Георгия Эдуардовича Конюса. Он стоял, внимательно рассматривая ноты. Я-то хорошо узрел, что на обложках пестрели названия моих танцев. Тогда я понял, что все кончено. Холодея от страха, я попятился назад, к двери. С того момента - к Конюсу больше - ни ногой.

Только через несколько месяцев, гуляя по Тверской, я столкнулся с ним «лицом к лицу». Деваться было некуда. «Почему вы исчезли?»-с улыбкой спросил Георгий Эдуардович. Я пролепетал, что боялся явиться после «разоблачения»... «Какого разоблачения? - удивился Конюс. - Если вы имеете в виду нотный магазин, то сознаться должен как раз я: мне, видите ли, сказали, что вы стали популярным автором. Вот я и зашел на Кузнецкий посмотреть, что вы творите (ведь сами-то не принесете!). Честно вам скажу: многое из того, что я видел, написано коряво, но есть песенки забавные, а штучки две - просто неплохо! Главное, что у вас есть склонность к эстраде. Это уж наверняка! Надо только искать свое. Вот в чем задача! Впрочем, поговорим дома. Приходите заниматься!»

Приятно ошеломленный, я жадно внимал голосу своего наставника. Последние его слова «приходите заниматься» прозвучали приказом, и я, совершенно счастливый, снова стал учеником Конюса» .

Но занятия с Конюсом продолжались недолго. Умер отец, и Матвей стал главным кормильцем семьи. В поисках заработка он стал ездить по городам страны.

Четыре года композитор искал свой стиль, мечтая рассказать о подвиге своих современников: «Я представлял себе живых людей, моих современников, похожих на мальчишку Уткина. Стихов не было. Музыка писалась «просто так». Одна мелодия мне показалась удачной. Хотелось поделиться с кем-нибудь. Как раз в это время судьба свела меня с поэтом Михаилом Семеновичем Голодным, который работал тогда в редакции газеты «Правда». У нас сразу возникло взаимное чувство симпатии, и я отважился познакомить Голодного со своим новым опусом. Михаил Семенович одобрил музыку и неожиданно для меня загорелся сам. Мы пели, вживались в образ. Было решено, что это будет песня о партизане, погибшем за родной край. Через несколько дней Голодный принес стихи. Тут и начались удивительные приключения «Партизана Железняка».

Газета «Правда» объявила конкурс на лучшую советскую песню. Мы с Голодным набрались храбрости послать на конкурс нашего «Партизана» (все, как положено, в закрытом конверте). Но произошло непредвиденное. Голодный, по-видимому, прочитал стихи своим товарищам в редакции (может быть, случилось и другое недоразумение, но факт остается фактом: «Правда» опубликовала стихи «Партизана Железняка» под рубрикой «К конкурсу»). Композиторам полюбилсяэтоттекст. И редакцию газеты буквально заполнили «Партизаны». Сотни «Партизан».

Я был убежден, что мой вариант не выдержит «конкуренции». Из заметки в «Вечерней Москве» я узнал, что на открытии одного самодеятельного театра будет исполняться «Партизан Железняк» Сергея Прокофьева!

Я несказанно уважал Прокофьева, лучше сказать, боготворил его. И до чего же я был горд и счастлив, когда Прокофьев, увидев меня,по-дружески сказал: «Мы с вами написали почти одно и то же - ритм у нас одинаковый. Но вашу песню петь хочется!»

После этого я долго ходил «гоголем». Моего «Партизана» стали пропагандировать известные артисты - Дмитрий Головин, Лидия Русланова, Леонид Утесов, его стали включать чуть ли не во все программы песенных концертов.

Когда «Партизан» был уже популярен, ко мне пришел репортер изРадиокомитета и сказал: «В Москве находится семья Железняка. Мы делаем передачу. Вы должны встретиться с семьей героя».

Сообщение репортера оглушило меня. Я не знал, как поступить. Вдова и дети какого-то партизана, героически погибшего, ждали, чтопо радио будет звучать песня, посвященная самому близкому, самому дорогому для них человеку. Может быть, они специальнодляэтого приехали в Москву... Я не стал ни в чем разуверять репортера, но в передаче принимать участие отказался. Ведь я отлично знал, что песня наша является поэтическим вымыслом, не отражавшим никакого реального события. Фамилия Железняк - тоже вымысел. Мне эта фамилия не нравилась, мне казалось, что она не очень хорошо ложится на слух, но Голодный уверял меня, что Железяк - звучное слово и к тому же - это распространенная фамилияна Украине.

Впоследствии прототипом героя песни стали считать известного матроса Железнякова. Но и это, конечно, не соответствует действительности. Мне также рассказывали, что нашли курган, где похоронен партизан Железняк. Все, как в песне. Буквально. Символико-поэтический образ Голодного, который воспевал героизм партизанского движения, оказался конкретизированным истиной, правдойжизни» .

Вслед за «Партизаном» вскоре возникло другое известное произведение на тему Гражданской войны - «Песня о Щорсе», на слова того же Голодного.

«В одной из наших откровенных бесед Михаил Семенович сетовал на свои неудачи: вот, мол, написал стихи о Щорсе, композитор И. П. Шишов сочинил музыку, песню напечатали, но никто ее непоет. Пропал «Щорс». Наверное, не те стихи нужны!»

«Стихи меткие, - возразил я.- Музыка, к сожалению,слишком «правильная», чересчур «грамотная». Все в ней «соблюдено» даже украинский колорит есть. Нет только образа» .

Вскоре Блантер создал песню, мгновенно ставшую популярной по всей стране.

Положив в основу музыкальной драматургии песню, в 1938 году композитор написал оперетту «На берегу Амура» (либретто В. Типота и В. Квасницкого). Этот спектакль, рассказывающий о героизме пограничников, многократно шел на различных театральных сценах страны.

Однако 1938 год, в первую очередь, памятен был композитом появлением легендарной песни «Катюша». Вначале М. В. Исаковским были написаны стихи, вернее, лишь несколько строк.

«Я не знал, - говорил потом поэт, - что же дальше делать сКатюшей, которую я заставил выйти на «высокий берег на крутой» и запеть песню. Поэтому стихи пришлось отложить...»

А потом была встреча Исаковского с Блантером. «Я начал одну песню» , - сказал мне Михаил Васильевич и показал четверостишие, - вспоминает Блантер. - Это было удивительно. Я попросил поэта оставить мне зачин его песни. Теперь я буквально не находилсебе места... «Катюша» без остатка заняла мое воображение. Вслушиваясь в слова Исаковского, я заметил, что в стихотворении его очень звонкая интонация. И в частности, вот что: берег, на берег! Какая причудливая игра ударений! Ну прямо-таки как в веселой народной припевке. Не исключено, что эта деталь окончательно определили подвижной жанр «Катюши» .

Над музыкальным решением песни пришлось потрудиться немало. Наконец, родилась именно та мелодия, которую все мы сегодня знаем и любим. Но песни пока не было. Ведь стихотворение оставалось незавершенным. И тогда поэт и композитор стали вместе искать, какой же быть песне. Направление поиска и построение ее сюжета подсказаны были самой жизнью, напряженной обстановкой предгрозовых довоенных лет.

По-новому зазвучала «Катюша» в годы Великой Отечественной войны. В народе появились десятки новых вариантов этой песни.

Однажды на фронте с «Катюшей» произошел случай, ставший почти легендой. Его рассказал в своей книге Исаковский: «Однажды под вечер, в часы затишья, наши бойцы услышали из немецкого окопа, расположенного поблизости, «Катюшу». Немцы прокрутилиее раз, потом поставили второй раз, потом третий... Это разозлило наших бойцов: мол, как это подлые фашисты могут играть нашу «Катюшу»?! Не бывать этому! Надо отобрать у них «Катюшу»!

В общем, дело кончилось тем, что группа солдат совершенно неожиданно бросилась в атаку на немецкий окоп. Завязалась короткая молниеносная схватка. В результате - немцы еще и опомниться неуспели! - «Катюша» - пластинка вместе с патефоном - была доставлена к своим» .

Песня стала очень популярной и за рубежом.

Известно, что в начале Великой Отечественной войны советским войскам приходилось оставлять город за городом. Блантеру хотелось вселить оптимизм в сердце солдат. Так появилась песня «До свиданья, города и хаты».

«Слова новой песни Михаил Исаковский продиктовал мне по телефону, - вспоминает Блантер. - Я чувствовал, что как воздух нужна песня, которая укрепляла бы веру в нашу победу. И слова Исаковского мне показались именно такими. Несколько часов я не отходил от фортепиано. Вечером, когда музыка была готова, я позвонил Михаилу Васильевичу и спел в телефонную трубку «До свиданья, города и хаты». В Союзе композиторов я показал новинку своим товарищам. А. Хачатурян, Д. Кабалевский, В. Шебалин, И. Дунаевский меня поддержали» .

Тяжелое военное время - расцвет творчества композитора. Трудно даже просто перечислить все песни, написанные Блантером в эти годы. И какие песни! Вот, к примеру, «В лесу прифронтовом».

«Блантер избрал для песни форму вальса, - пишет А. Е. Луковников. - Чудесная мелодия звучит, словно живое человеческое дыхание, она пробуждает воспоминание о родном доме, о мирной жизни. К оригинальным мотивам композитор «пристраивает» хорошо знакомые каждому интонации старинного вальса «Осенний сон», и это связывает песню с чем-то очень дорогим, не омраченным в памяти никакими тяготами войны» .

А когда советские войска перешли в наступление и дрались на вражеской территории, была написана новая песня - «Под звездами балканскими». «Когда приблизилась победа над фашизмом, лицо русского солдата изменилось, - говорит Матвей Исаакович. -Запыленное на фронтовых дорогах, оно выражало великую радость - радость воина, прогнавшего врага со своей священной земли. Совсем другое настроение возникло у солдат... В одной из своих песен, как мне показалось, я что-то «нащупал». Думалось, что парню,который уже на Дунае, будет под стать такая песня. Правда, слов еще не было. Но я знал: они будут. Их напишет Исаковский! И так жекак первую нашу военную песню «До свиданья, города и хаты», эту я тоже согласовал с Михаилом Васильевичем по телефону. Возникли стихи, которые, как мне думалось, могли бы стать бальзамом не только для раненых... Это была песня «Под звездами балканскими» .

«Наши воины сражались уже на чужой земле , - вспоминает Маршал Советского Союза В. И. Чуйков. - Они многое повидали, пережили радость победных боев. Песня чудесно и глубоко выражала их внутреннее состояние. Все с восторгом распевали:

Хороша страна Болгария, А Россия лучше всех!»

Не менее интересна история создания других популярных в войну песен Матвея Блантера: «Моя любимая», «Песенка военных корреспондентов», «Огонек», «Жди меня»...

И после окончания кровопролитных сражений военная тематика не оставляла композитора. Он создает великолепные песни: «Солнце скрылось за горою», «Летят перелетные птицы», «Душа солдата», «Партизанка». Но даже среди них своим трагизмом выделяется песня «Враги сожгли родную хату».

Рассказывает А. Е. Луковников: «У этой песни не простая биография. Написанная вскоре после окончания войны, она, прозвучала всего один раз по радио, затем не исполнялась около... пятнадцати лет» .

Исаковский вспоминает: «Редакторы - литературные и музыкальные-не имели оснований обвинить меня в чем-либо. Но многиеизних были почему-то убеждены, что Победа исключает трагическиепесни, будто война не принесла народу ужасного горя. Это был какой-то психоз, наваждение. В общем-то неплохие люди, они, не сговариваясь, шарахнулись от песни. Был один даже - прослушал, заплакал, вытер слезы и сказал: «Нет, мы не можем» .

Так продолжалось до 1960 года. Для участия в представлении Московского мюзик-холла «Когда зажигаются звезды» был приглашен популярный артист кино и исполнитель советских песен Марк Бернес. Многочисленные зрители, заполнившие Зеленый театр ЦПКиО им. М. Горького, где состоялась премьера представления, всем ходом эстрадного спектакля были настроены на веселое развлекательное зрелище. Под стать этому зрелищу были и песни. Но вот на сцену вышел Бернес. Он подошел к микрофону и запел:

Враги сожгли родную хату,

Сгубили всю его семью,

Куда ж теперь идти солдату,

Кому нести печаль свою?..

Поначалу в зале возникло недоумение, но потом установилась абсолютная тишина. А когда певец закончил, раздался гром аплодисментов. Успех превзошел все ожидания!

С этого дня началась, по существу, новая жизнь этой замечательной песни (ее еще иногда называют «Прасковья»), песня получила широкое признание.

«Лирика - один из важнейших жанров песенного искусства, - говорит Блантер. - Можно, воспевая высокие гражданские идеи в лирической песне, затронуть самые тонкие струны души человеческой...».

Как справедливо замечает В. И. Зак: «О чем бы ни говорил композитор, даже о большом, значительном, он сохраняет теплоту душевную. О космонавтах, о родине нашей, о буднях солдатских Блантер повествует как близкий наш друг, находящийся рядом собеседник. У него - товарищеское расположение к слушателю, сердечное отношение к нему, желание общаться запросто, довериться и, если нужно, - убедить. Он открывает себя, зная, что найдет сочувствие, поддержку» .

Действительно диапазон тем, к которым обращается композитор, очень велик. Здесь и тема борьбы за мир («Песня единства») и спортивный марш («Под нашими знаменами»), космос («Перед дальней дорогой») и современная армия («Комендантский патруль»).

В 1966 году Блантер создает «Цыганские песни» на слова Ильи Сельвинского, через год - вокальный цикл на слова Б. Окуджавы, песни, полные нежности, озаренные светом: «Маленький оркестрик», «Старый пиджак», «Об открытой двери», «О синих маяках», «В Барабанном переулке».

Образно-тематический строй песен Блантера очень широк: любовь к родной стране, радость единения людей, скорбь утрат… Новаторские приемы композитора - маршевая ритмизация мелодических оборотов, характерных для русского лирического романса, принцип динамизированной повторности, разно-ладовое мажорно-минорное «окрашивание» одних и тех же мелодических фрагментов. Для его песен характерны импульсивность, открытость, чувство юмора, оптимизм.

В области театральной музыки можно выделить работы Блантера с эстрадными театрами: Ленинградским театром миниатюр А. Райкина (песенки к спектаклю «Времена года», 1956); Московским мюзик-холлом (музыка к спектаклю «Москва-Венера, далее везде» (1961) и «Тик-так, тик-так...» (1963); оперетты «Сорок палок» (1925), «Нос президента» (1926), «На берегу Амура» (1938).

Матвей Блантер – лауреат Сталинской премии (1946), Народный артист СССР (1975), Герой социалистического труда (1983).

Скончался Матвей Исаакович 27 сентября 1990 года.

Интересные факты

• Музыкант является автором «Футбольного марша», который появился в один год с «Катюшей» - в 1938-м. Написать ее попросил комментатор Вадим Синявский, который хотел, чтобы длительность произведения была равна той, что требуется командам для выхода на поле. Блантер ходил на игры с секундомером, а идея самой мелодии появилась на эскалаторе в метро.

• Идея музыки для композиции «Кони-звери» пришла к композитору во сне.

Источники:

1. «Катюша», «Жди меня» и «Черноглазая казачка». Советские хиты композитора Матвея Блантера . - Текст. Музыка (исполнительская) : электронные // Культура.РФ. - URL: https://www.culture.ru/materials/171149/katyusha-zhdi-menya-i-chernoglazaya-kazachka-sovetskie-khity-kompozitora-matveya-blantera (дата обращения: 05.02.2023).

2. Зак, Владимир Ильич. Матвей Блантер / В. Зак. - Москва : Советский композитор, 1971. - 175, [1] с. : ил., [6] вкл. л. ил. - Текст : непосредственный.

3. Композитор Матвей Блантер . - Текст : электронный // Норма40 : песни советского человека / Сергей Григорьев. - 2010-2023. - URL: http://www.norma40.ru/articles/matvey-blanter-biografia-diskografia.htm (дата обращения: 05.02.2023).

4. Матвей Блантер (1903-1990) . - Текст. Изображение (движущееся ; двухмерное). Музыка (исполнительская) : электронные // Красная книга российской эстрады. - URL: http://mblanter.narod.ru/ (дата обращения: 05.02.2023).

5. Матвей Блантер : ноты. - Музыка (знаковая) : электронная // NotaDo. - URL: https://notado.ru/author/blanter (дата обращения: 05.02.2023).

6. Матвей Исаакович Блантер (1903-1990) . - Текст : непосредственный.// Мусский, Сергей Анатольевич. Самые знаменитые композиторы России / С. А. Мусский. - Москва : Вече, 2004. - С. 292-302.

7. Песни Матвея Блантера . - Музыка (исполнительская) : электронная // YouTube. - URL: https://www.youtube.com/playlist?list=PL40OiiJw6-geHwaQSsuLJP3ZIqnygDURn (дата обращения: 05.02.2023).

Плодовитый композитор эпохи барокко Луиджи Боккерини

«Я хорошо знаю, что музыка существует для того, чтобы говорить сердцу человека; достичь этого я и стремлюсь… Музыка, лишенная чувства и страсти, пуста».

Луиджи Боккерини

Луиджи Боккерини – талантливый итальянский композитор, яркий представитель эпохи венского классицизма и рококо. Его имя широко известно всем любителям классической музыки. Выдающийся маэстро, является автором большого количества прекрасных творений, которые в нынешнее время, покоряя слушателей, очень часто звучат со сцен концертных залов.

19 февраля 1743 года в Италии в тосканском городе Лукка в семье музыканта-контрабасиста Леопольда Боккерини родился мальчик, которому дали имя Луиджи. Проявившееся рано неординарное дарование малыша способствовало его успешному музыкальному образованию. Он прекрасно пел и, как отец, очень хотел освоить контрабас, но из-за большого размера этого инструмента стал с усердием заниматься на виолончели.

Он обучался в одной из семинарий у превосходного педагога, виолончелиста и капельмейстера аббата Вануччи. В результате занятий с аббатом, Боккерини уже с двенадцати лет начал выступать публично. Выступления эти принесли юноше известность среди городских любителей музыки.

Вскоре четырнадцатилетний Боккерини для совершенствования своего исполнительского мастерства отправляется в Рим. Юный виолончелист с головой погружается в кипучую музыкальную жизнь столицы. Вернувшись через четыре года в родной город, Луиджи начал активно заниматься композиторской деятельностью, а помимо того объединившись с талантливыми музыкантами, он организовал струнный квартет. Этот вид музицирования в то время только начинал развиваться.

Боккерини был принят в театральный оркестр, позже перешел в капеллу Луккской республики. Здесь же он познакомился со скрипачом Филиппо Манфреди, который стал его близким другом.

Вскоре друзья прибыли в Париж. Первое выступление обоих артистов в Париже состоялось в салоне барона Эрнеста фон Багге. Это был один из самых замечательных музыкальных салонов Парижа. В нем часто дебютировали приезжие артисты, прежде чем быть допущенными в Concert Spiritucl. Здесь собирался весь цвет музыкального Парижа, часто бывали Госсек, Гавинье, Капрон, виолончелист Дюпор (старший) и многие другие. Мастерство молодых музыкантов было оценено по достоинству. О Манфреди и Боккерини заговорил Париж. Концерт в салоне Багге открыл им дорогу и в Concert Spirituel. Выступление в знаменитом зале состоялось 20 марта 1768 года, и сразу же парижские нотоиздатели Лашевардьер и Бенье предложили Боккерини печатать его произведения.

В конце 1768 года, воспользовавшись предложением испанского посла поступить на службу к инфанту Испании, будущему королю Карлу IV, друзья направились в Мадрид.

В Испании их встретили неприветливо. Карл III и инфант принц Астурийский отнеслись к ним более чем холодно. К тому же их приезду отнюдь не были рады и местные музыканты. Первый придворный скрипач Гаэтано Брунетти, опасаясь конкуренции, стал плести вокруг Боккерини интригу. Подозрительный и ограниченный Карл III охотно поверил Брунетти, и завоевать себе место при дворе Боккерини не удалось. Его спасла поддержка Манфреди, получившего место первого скрипача в капелле брата Карла III дона Луи. Дон Луи был сравнительно либеральным человеком. Манфреди добился того, что и Боккерини был приглашен в капеллу дона Луи. Здесь, в качестве композитора камерной музыки и виртуоза, композитор работал с 1769 по 1785 год. Находясь под покровительством у инфанта Боккерини много сочинял. В 1771 году в числе большого количества различных произведений из-под его пера выходит струнный квинтет E-dur, одной из частей которого является знаменитый «Менуэт».

«Менуэт» Боккерини

«Менуэт» не является самостоятельным произведением. Он представлен композитором как третья часть его Ми мажорного скрипичного квинтета. Поскольку этот, имеющий французское происхождение, трёхдольный танец подразумевает грациозные движения, то соответственно музыка композиции Боккерини лёгка и изящна.

Первая часть произведения, состоящая из двух репризно повторяющихся разделов, начинается с затакта. Её музыка с изящным мелодическим рисунком с «завитушками», состоящая из коротких мотивов, украшенных тонкими орнаментами, отражает характерные для менуэта поклоны и плавные приседания. Исполнение основной темы композитор поручил первой скрипке. Остальные инструменты выполняют роль аккомпанемента. Вторая скрипка поддерживают мелодию пульсирующим звучанием, а альт и виолончели свои партии исполняют пиццикато.

В среднем разделе – трио, также включающем в себя две части, меняется не только характер музыки, но и тональность: Ля мажор модулирует в Ре мажор. Тематический материал трио, поначалу представленный гаммообразными движениями вверх и вниз, а затем, получающий динамичное развитие, активно исполняется всеми участвующими в произведении инструментами.

Третья заключительная часть повторяет музыкальный материал первого раздела, только без репризных повторений.

«Менуэт» Луиджи Боккерини – это волшебное творение великого мастера. Когда слушаешь музыку этого очаровательного произведения, то случается чудо: сразу хочется забыть об окружающей нас современной суматохе и мысленно перенестись в минувшие времена - эпоху прекрасных дам и галантных кавалеров. Грациозность этого танца пленяет сердца и поэтому его по достоинству можно назвать танцем королей.

В Испании Боккерини познакомился со своей будущей женой, дочерью арагонского капитана Клементиной Пеличо. Их свадьба состоялась 25 июня 1776 года. После женитьбы материальное положение Боккерини стало тяжелее. Родились дети. Чтобы оказать помощь композитору, дон Луи пытался ходатайствовать о нем перед испанским двором. Однако его попытки оказались напрасными.

Обремененный семьей, Боккерини влачил жалкое существование. Особенно плохо ему стало после смерти дона Луи в 1785 году. Его поддерживали только некоторые любители музыки, в домах которых он руководил камерной музыкой. Хотя его сочинения пользовались популярностью и печатались крупнейшими издательствами мира, от этого жизнь Боккерини не становилась легче. Его нещадно обирали издатели. В одном из писем композитор жалуется на то, что получает совершенно ничтожные суммы и что его авторские права игнорируются.

Непризнанный в Испании, он обращается через посланника Пруссии к королю Фридриху Вильгельму II и посвящает ему одно из произведений. Высоко ценивший музыку Боккерини, Фридрих Вильгельм назначает его придворным композитором. Все последующие сочинения, начиная с 1786 и по 1797 год, Боккерини пишет для прусского двора. Особенно тяжело становится Боккерини, когда умирает прусский король Фридрих II - единственная его опора. Оплата за должность камер-музыканта прусского двора составляла основной доход семьи.

Вскоре после кончины Фридриха II судьба нанесла Боккерини еще ряд жестоких ударов: в течение короткого времени у него умирают жена и две взрослые дочери. Боккерини женится вторично, но и вторая жена вскоре скоропостижно скончалась.

Тяжелые переживания 90-х годов сказываются на общем состоянии его духа - он замыкается в себе, уходит в религию. В этом, полном душевной депрессии, состоянии он благодарен каждому знаку внимания. К тому же нищета заставляет его цепляться за любую возможность заработка. Когда маркиз Бенавента, любитель музыки, хорошо игравший на гитаре и высоко ценивший Боккерини, попросил аранжировать для него несколько сочинений, дописав партию гитары, композитор охотно выполняет этот заказ. В 1800 году руку помощи протянул композитору французский посол Люсьен Бонапарт. Признательный Боккерини посвятил ему несколько сочинений. В 1802 году посол покинул Испанию, и Боккерини вновь впал в нужду.

Он решает покинуть Испанию и переселиться во Францию. Но этому его желанию уже не довелось осуществиться. Большая почитательница Боккерини, пианистка, певица и композитор Софи Гайль посетила его в Мадриде в 1803 году. Она застала маэстро совершенно больным и в глубокой нужде. Он жил долгие годы в одной комнате, разделенной антресолями на два этажа. Верхний этаж, по существу чердак, служил композитору рабочим кабинетом. Всю обстановку составляли стол, табурет и старая виолончель. Потрясенная увиденным, Софи Гайль оплатила все долги Боккерини и собрала среди друзей средства, необходимые для его переезда в Париж. Однако сложная политическая обстановка и состояние больного музыканта уже не позволили ему тронуться с места.

28 мая 1805 года Боккерини скончался.

В пору творческого расцвета Боккерини являлся одним из самых великих виолончелистов XVIII века. В игре его отмечались несравненная красота тона и полное выразительности виолончельное пение. Лавассер и Бодио в «Методе Парижской консерватории», написанной на основе скрипичной школы Байо, Крейцера и Роде, дают Боккерини следующую характеристику: «Если он заставляет виолончель петь соло, то с таким глубоким чувством, с такой благородной простотой, что забывается искусственность и подражание; слышится какой-то чудесный голос, не раздражающий, а утешающий».

Творческое наследие Луиджи Боккерини огромно - свыше 400 произведений; среди них 20 симфоний, скрипичные и виолончельные концерты, 95 квартетов, 125 квинтетов (из них 113 с двумя виолончелями) и множество других камерных ансамблей. Современники сравнивали Боккерини с Гайдном и Моцартом.

Источники:

1. Луиджи Боккерини «Менуэт» из квинтета E-dur (ор. 11 № 5) . - Текст : электронный // Творческий Центр «Звуки Времен». Интересное в музыке. - URL: https://soundtimes.ru/kamernaya-muzyka/udivitelnye-muzykalnye-proizvedeniya/luidzhi-bokkerini-menuet (дата обращения: 15.02.2023).

2. Луиджи Боккерини (1743-1805) - жизнь и творчество . - Текст : электронный // Diafon.ru : о музыке и музыкальном образовании. - URL: http://diafon.ru/bokkerini/ (дата обращения: 15.02.2023).

3. Плодовитый композитор эпохи барокко (Л. Боккерини) . - Текст : электронный // Про пианино. - URL: https://propianino.ru/kompozitor-bokkerini (дата обращения: 15.02.2023).

4. Рыцарев, С.Луиджи Родолфо Боккерини / С. Рыцарев, Л. Раабен. - Текст : электронный // Belcanto.ru : классическая музыка, опера и балет. - URL: https://www.belcanto.ru/boccherini.html (дата обращения: 15.02.2023).

Александр Даргомыжский - гений музыкальной драмы

Я не намерен снизводить ...музыку до забавы. Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды.

А. Даргомыжский

Александр Сергеевич Даргомыжский проложил новые пути в развитии русского музыкального искусства. Его творчество послужило своеобразным связующим звеном между пушкинской эпохой, ознаменованной началом русской музыкальной классики и реалистическим направлением в русской музыке, подготовило смелые новаторские искания молодых музыкантов «новой русской музыкальной школы», будущих членов творческой группы, известной в истории музыки под названием «Могучая кучка».

Родился Александр Сергеевич Даргомыжский 2 февраля 1813 года в небольшом поместье Тульской губернии. Ранние детские годы прошли в имении родителей в Смоленской губернии. В 1817 году семья переехала в Петербург. Родители будущего композитора были большими любителями музыки и поэзии, а мать даже писала стихи, которые печатались в популярных журналах. Несмотря на скромный достаток, родители дали своим детям, - их было шестеро, - хорошее домашнее воспитание и образование.

Помимо изучения обязательных школьных предметов: истории, литературы, математики и нескольких иностранных языков, все дети Даргомыжских играли на различных музыкальных инструментах, учились пению. Кроме того, они сочиняли стихи и драматические пьесы, которые сами и разыгрывали перед гостями. В этой культурной семье часто бывали известные в то время литераторы, музыканты, и дети принимали горячее участие в литературно-музыкальных вечерах.

Заниматься игрой на фортепиано юный Даргомыжский начал в шесть лет, а в десять-одиннадцать - уже пробовал сам сочинять музыку. Но первые его творческие попытки пресекались учителем. «Всякий раз, как я приносил ему на показ новое сочинение, - вспоминал позднее композитор, - в книжке поведения моего было отмечено: «весьма скверно» и я был наказан».

Изучение фортепианной техники Даргомыжский закончил в 1828-1831 годах под руководством известного в свое время Шоберлехнера, который смог обучить ученика трудным техническим приемам. В своей автобиографии Даргомыжский писал: «В 1830-х годах я был уже известен в петербургском обществе как сильный пианист. Шоберлехнер называл меня первым своим учеником. Ноты читал я, как книгу, и участвовал во многих любительских концертах... Лучшие артисты, как-то: Бем, Меингардт, Ромберг, - оставались мною довольны» .

С начала тридцатых годов юноша стал посещать лучшие литературно-художественные салоны Петербурга. В одном из них - князя Одоевского, где бывали Пушкин, Лермонтов, Жуковский, Гоголь, Даргомыжский познакомился с Глинкой. О своей встрече композитор вспоминал: «В 1833 году познакомился я с М. И. Глинкою. Одинаковое образование, одинаковая любовь к искусству тотчас сблизили нас, несмотря на то что Глинка был десятью годами старше меня. Мы в течение двадцати двух лет кряду были с ним постоянно в самых коротких, самых дружеских отношениях».

Это знакомство оказалось для Даргомыжского решающим. Если раньше он не придавал серьезного значения своим музыкальным увлечениям, то теперь в лице Глинки он вдруг увидел живой пример художнического подвига. «Пример Глинки, - писал Даргомыжский, - который тогда (в 1834 году) с помощью моею и капельмейстера Иоганниса делал оркестром князя Юсупова первые репетиции оперы своей «Жизнь и Царя», и дельные советы Н. В. Кукольника заставили меня серьезнее заняться изучением теории музыки. Глинка передал мне привезенные им из Берлина теоретические рукописи профессора Дена. И списал их собственною рукою, скоро усвоил себе мнимые премудрости генерал-баса и контрапункта, потому что с детства был к тому практически подготовлен, и занялся изучением оркестровки».

В эти годы Даргомыжский был уже известным композитором, автором романсов, песен, фортепианных пьес и даже симфонического произведения «Болеро».

Композитор и дальше сочинял много. Основной областью его творчества являлась вокальная музыка - романсы, песни, арии, дуэты. Не все из созданного было удачно и оригинально. Однако ряд произведений свидетельствовал уже о наступающей творческой зрелости композитора.

Большую художественную ценность представляют в первую очередь романсы на слова Пушкина: «Я вас любил», «Юноша и дева», «Вертоград», «Ночной зефир», «В крови горит огонь желания».

В конце тридцатых годов под влиянием Глинки Даргомыжский тоже решил написать оперу. После недолгих поисков сюжета композитор избрал роман В. Гюго «Собор Парижской Богоматери». В этом романе композитора привлек ярко-романтический сюжет, правдивое изображение сильных человеческих характеров, напряженный драматизм.

«В 1839 г., - вспоминал позже Даргомыжский, - опера была окончена, переведена на русский язык и представлена мною в дирекцию театров. Несмотря на одобрение ее капельмейстерами театров, несмотря на все постоянные мои хлопоты, старания и просьбы поставить ее на сцену, «Эсмеральда» пролежала у меня в портфеле целые восемь лет. Вот эти-то восемь лет напрасного ожидания, и в самые кипучие года жизни, легли тяжелым бременем на всю мою артистическую деятельность» .

В то же время композитор с увлечением работал над кантатой «Торжество Вакха» на стихи Пушкина, которую он вскоре переделал в оперу.

Постепенно Даргомыжский приобретает все большую известность как крупный, самобытный музыкант. И когда в начале сороковых годов в Петербурге возникло Общество любителей инструментальной и вокальной музыки, Александр Сергеевич становится его главой, руководит оркестром и хором.

В 1843 году Даргомыжский распрощался со своей должностью титулярного советника и подал в отставку, имея по табели о рангах гражданский чин девятого класса и право обращения к себе «ваше благородие».

В 1844 году он отправился за границу, где познакомил со своими сочинениями европейскую публику. Его прекрасные композиции понравились, и многие газеты были наполнены справедливыми хвалами блистательному русскому таланту.

Главной целью путешествия Даргомыжского был Париж - признанный центр европейской культуры, где молодой композитор мог бы удовлетворить свою жажду новых художественных впечатлений.

«Прожив в Париже около четырех месяцев, - пишет И. А. Медведева, - Даргомыжский выехал домой, увозя в своем сундуке новые сочинения: вокальное трио «Что смолкнул веселия глас» на пушкинскую «Вакхическую песню», провозглашающую победу света над тьмой; лермонтовский романс «И скучно, и грустно», обозначивший новый тип вокальной лирики в русской музыке. Дуэт «Девицы-красавицы» (слова из «Евгения Онегина») представляет собой хороводную сценку в народном духе. Значительно и еще одно парижское сочинение - романс «Бог помочь вам», где положено на музыку пушкинское обращение к декабристам. Все эти сочинения стали как бы данью Даргомыжского оставленной на время родине» .

Даргомыжский мечтал о создании национальной русской оперы. Выбор его остановился на социальной драме Пушкина «Русалка», правдиво рассказывающей о трагической судьбе простой крестьянкой девушки, обманутой князем. В письме к Скандербеку от 30 сентября 1848 года композитор пишет: «Ты, верно, интересуешься знать отчасти, что я поделываю? Пишу, братец, все пишу. Меня публика отучила только издавать свои сочинения, а писать до сих пор не может отучить; летом писал я балет к опере, что я выкроил из Пушкина оды «Торжество Вакха», а теперь принимаюсь за «Русалку», из коей я тебе уже играл некоторые номера. Что меня мучит - это либретто: вообрази, что я сам плету стихи. Поэты у нас все гении: ни одного нет просто с талантом, как ты да я; и с ними ладу никакого нет; смотрят на тебя с высоты высот и презирают» .

Затем в работе над оперой под впечатлением неудач наступил перерыв. «Эсмеральда», принесшая в свое время столько разочарований и огорчений, была наконец принята к постановке Московским оперным театром. В декабре 1847 года состоялась премьера оперы. Она прошла удачно, и публика горячо аплодировала автору. Этот успех произвел на композитора чрезвычайно отрадное впечатление, и он решил представить «Эсмеральду» в Дирекцию петербургских Императорских театров. Однако в столице опера была встречена холодно. Небрежно поставленная в 1851 году, с большими купюрами, она не могла долго продержаться на сцене и после трех представлений была исключена из репертуара. Даргомыжский тяжело переживал эту неудачу. «После всех этих, убийственных для артиста, распоряжений театральной дирекции, - писал он, - понятно, что драматическое творчество мое охладело» .

На некоторое время оставив сочинение «Русалки», Даргомыжский отошел от широкой музыкальной деятельности, занимаясь в основном с певцами и певицами.

«Я начал писать множество отдельных вокальных пьес; романсы, песни, арии, дуэты, трио, квартеты, из коих почти половина (числом более ста) изданы здесь, в Петербурге. Притом, обращаясь постоянно в обществе певцов и певиц, мне практически удалось изучить как свойства и изгибы человеческих голосов, так и искусство драматического пения. Могу смело сказать, что не было в петербургском обществе почти ни одной известной и замечательной любительницы пения, которая бы не пользовалась моими уроками, или, по крайней мере, моими советами (Билибина, Бартенева, Шиловская, Беленицына, Гире, Павлова, кн. Манвелова и десятки других, менее известных)» , - писал композитор в автобиографии.

Но весной 1853 года произошло одно неожиданное событие, произведшее на Даргомыжского чрезвычайно сильное впечатление и давшее ему новые силы для продолжения начатой работы. Событием этим был концерт, устроенный князями В. Ф. Одоевским и А. Н. Карамзиным, в пользу какого-то благотворительного общества. «Концерт этот, - писал композитор, - состоялся 9 апреля в зале Дворянского собрания. Блистательный и неожиданный успех этого концерта дал новый толчок моей деятельности, и опера «Русалка» была окончена в 1855 году» .

Премьера «Русалки» состоялась 16 мая 1856 года на сцене Петербургского театра-цирка. В этот вечер в спектакле участвовали лучшие артисты. Тем не менее опера большого успеха все же не имела. Аристократическая публика, являвшаяся в то время главным посетителем императорских театров, равнодушно относилась к операм отечественных композиторов. Тем более не могла ее привлечь драма из крестьянской жизни. Вот что написал о постановке «Русалки» Даргомыжский: «Не можете себе представить, как гнусная постановка оперы вредит эффекту музыки! Затасканные декорации и костюмы наводят уныние. На свадьбе князя горят две пары тройниковых канделябр. Боярские костюмы и застольные украшения, выдержавшие около сотни представлений в пьесе «Русская свадьба», носят на себе прорехи и следы закулисной неопрятности. А в конце оперы, вместо грациозного плавания живых русалок, влекущих тело утопшего князя, спускаются перпендикулярно две деревянные морские чучелы: головы человеческие, с бакенбардами на щеках, а туловища огромных окуней, с кольцеобразными хвостами. В утешение - одна из этих голов похожа как две капли воды на Гедеонова. Судите сами, хорош ли эффект?»

Тем не менее новую оперу Даргомыжского высоко оценили передовые люди того времени.

«При нынешнем бесплодии, - писал А. Н. Серов, - на все замечательное в области поэтической вообще и музыкально-поэтической в особенности - не у нас только, а в целом образованном мире - появление новой, оригинальной и отлично обработанной оперы во всяком случае - событие» .

Восторженно писал о «Русалке» П. И. Чайковский: «По своей мелодической прелести, по теплоте и безыскусственности вдохновения, по изяществу кантилены и речитатива «Русалка» в ряду русских опер занимает, бесспорно, первое место после недосягаемо гениальных опер Глинки» .

«Музыкальная речь Даргомыжского в «Русалке» отмечена рядом особенностей, обусловленных своеобразием творческой задачи композитора, - отмечает А. А. Ремезов. - Подобно Глинке, он почти не пользуется подлинными народными мелодиями: мы встречаем их только в партии Наташи.

Музыка «Русалки» по духу и характеру своему глубоко национальна. У Глинки мы часто ощущаем близость его собственных мелодий к характерным полевкам крестьянских народных песен. В «Русалке» Даргомыжского также чувствуется близкое музыкальное родство с русской песней, но преимущественно с городской.

Для усиления народного колорита «Русалки» композитор пользуется своеобразным приемом: он привлекает подлинные тексты народных песен.

Подобно Глинке, Даргомыжский важнейшим делом своим считает создание образов «живых людей в живой музыке» .

В начале 1850-х годов в России назревали большие социальные перемены. И Даргомыжский не остался в стороне от общественной жизни, что оказало на его творчество заметное влияние. Композитор входит в дружеское общение с сотрудниками сатирического журнала «Искра» - одного из революционно-демократических изданий 50-60-х годов. На тексты поэтов-искровцев Даргомыжский создает замечательные сатирические и драматические песни («Старый капрал», «Червяк» и другие).

Даргомыжский полон творческих исканий. Он решает испробовать свой талант в области симфонической музыки. Композитор последовательно создает два оркестровых сочинения - «Украинский казачок» и «Бабу-ягу».

В 1864 году Даргомыжский отправился за границу. Маршрут путешествия был избран почти тот же, что и двадцать лет назад. Поездка принесла ему большое удовлетворение.

В последние месяцы 1865 года в бенефис певца Комиссаржевского была возобновлена постановка «Русалки». Уже за несколько дней до спектакля все билеты оказались распроданными, несмотря на то что цены по случаю бенефиса были довольно высоки. Наконец наступил и долгожданный вечер. Уже после первого действия стал совершенно очевиден полный успех оперы. Аплодисменты, вызовы композитора и артистов были горячими и продолжительными.

Такой прием «Русалки» и ее признание на первом же спектакле укрепили за оперой высокую репутацию. «В 1866 г., - пишет Даргомыжский, - «Русалка» стала даваться с тою же обстановкой, но с невероятным, загадочным успехом: дело времени» .

В 1867 году Даргомыжскому снова суждено было вступить на поприще музыкально-общественной деятельности. Композитора пригласили в состав дирекции Русского музыкального общества, а вскоре он стал его председателем.

Последние годы жизни Даргомыжского были посвящены почти исключительно работе над оперой «Каменный гость» на текст одной из «маленьких трагедий» Пушкина.

Он писал ее тяжело больным. В письме к К. Н. Вельяминову (от 24 января 1868 года) Александр Сергеевич замечает: «О себе не могу сказать ничего утешительного. Болезнь моя, кажется, усиливается. Послезавтра обещал быть ко мне Боткин. Будет ли от него толк - Бог ведает. Выезжать мне становится труднее» . Тем не менее творческая энергия его с упадком физических сил не только не угасала, но, напротив, как-то странно усиливалась.

Ц. А. Кюи вспоминал: «Всякий день он писал и почти всякий день показывал нам написанное в своем великолепном исполнении. Восхищались мы его смелостью заменить рутинный, обычный текст либретто дивными стихами Пушкина; восхищались богатством, красотой и оригинальностью музыкальных мыслей; восхищались гибкостью его музыкальных фраз, сливающихся воедино с текстом. Он видел наше восхищение, он ожил, воспрянул духом, он уже не жаловался на несправедливость дирекции, не говорил больше, что музыку нужно писать только «для дам», но, полубольной, он стал работать еще с большей энергией, еще с большим лихорадочным увлечением, точно предвидя свой скорый конец, и опера двигалась быстро» .

Летом 1868 года была, наконец, точно определена его болезнь, то оказался ревматизм, от которого несколько месяцев спустя Даргомыжский и умер в 7 часов утра 17 января 1869 года.

Оперу «Каменный гость» Даргомыжский не завершил. Предчувствуя близкую смерть, композитор поручил закончить ее своим более молодым друзьям - Кюи и Римскому-Корсакову. Ими она и была окончена, а затем и поставлена в 1872 году.

Интересные факты о Даргомыжском

1. Даргомыжский был маленького роста, худой, с высоким лбом и мелкими чертами лица. Современные ему острословы окрестили его «заспанным котенком». От перенесенной в детстве болезни он поздно заговорил и его голос на всю жизнь остался непривычно для мужчины высоким. При этом он великолепно пел, с таким чувством исполняя собственные романсы, что однажды, слушая его, прослезился даже Лев Толстой. На женщин он производил впечатление своим обаянием, чувством юмора и безупречным обхождением.

2. Даргомыжский никогда не был женат.

3. Всю свою жизнь композитор жил вместе с родителями.

4. Композитор в течение нескольких лет преподавал пение любительским певицам без взимания платы за обучение.

5. Сегодня композитора редко исполняют на родине и почти не знают в мире. Ежегодно в мире оперы Даргомыжского исполняются всего около 30 раз.

Источники:

1. Александр Даргомыжский (1813–1869) . - Музыка (исполнительская) : электронная // Classic-online.ru. - URL: https://classic-online.ru/ru/composer/Dargomyzhsky/276 (дата обращения: 10.02.2023).

2. Александр Даргомыжский: биография, интересные факты, творчество . - Текст : электронный // Art Music: история музыки и живописи. - URL: https://olga-dubova.ru/interesnye-fakty/aleksandr-dargomyzhskij-biografiya-interesnye-fakty-tvorchestvo.html (дата обращения: 10.02.2023).

3. Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869) . - Текст : непосредственный // Мусский, Сергей Анатольевич. Самые знаменитые композиторы России / С. А. Мусский. - Москва : Вече, 2004. - С. 63-72.

4. Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869) . - Текст : непосредственный // Третьякова, Лилия Сергеевна. Русская музыка XIX века : книга для учащихся старших классов / Л. С. Третьякова. - Изд. 2-е, испр. и доп. - Москва : Просвещение, 1982. - С. 50-65.

5. Даргомыжский Александр Сергеевич: биография . - Текст : электронный // Про пианино. - URL: https://propianino.ru/dargomyzhskij (дата обращения: 10.02.2023).

6. Канн-Новикова, Елизавета Исааковна. Хочу правды : повесть об Александре Даргомыжском / Е. Канн-Новикова. - Москва : Музыка, 1971. - 139, [1] с. : ил. - (Рассказы о музыке для школьников). - Текст : непосредственный.

7. Медведева, Ирина Андреевна. Александр Сергеевич Даргомыжский / И. А. Медведева. - Москва : Музыка, 1989. - 191, [1] с., [48] вкл. л. ил. - (Русские и советские композиторы). - Текст : непосредственный.

8. Пекелис, Михаил Самойлович. Александр Сергеевич Даргомыжский и его окружение / М. Пекелис ; [худож. П. Кузанян]. - Москва : Музыка, 1966. - 495, [1] с. : ил., [26] вкл. л. - Текст : непосредственный.

9. Ремезов, Иван Иванович. А. С. Даргомыжский / И. Ремезов. - Москва : Музгиз, 1963. - 126, [2] с. : ил. - (Школьная библиотека). - Текст : непосредственный.

10. Степанова, Ирина. Эстетика Даргомыжского: традиционный подход с нетрадиционными выводами / Ирина Степанова. - Текст : электронный // Музыкальная академия : ежеквартальный научный и критико-публицистический журнал. - 2020. - Вып. 4. - URL: https://mus.academy/articles/estetika-dargomyzhskogo-traditsionnyy-podkhod-s-netraditsionnymi-vyvodami (дата обращения: 10.02.2023).

11. Шлифштейн, Семен Исаакович. Даргомыжский / С. Шлифштейн. - Изд. 3-е, испр. и доп. - Москва : Музгиз, 1960. - 41, [3] с., [1] л. портр. - (Библиотечка любителя музыки). - Текст : непосредственный.

Антонио Вивальди - композитор и священник

Антонио Вивальди - это один из самых исполняемых авторов в наше время, а само имя звучит как синоним музыки. Трудно представить, что еще 80 лет назад произведения Вивальди были почти неизвестны любителям музыки, а имя композитора надолго было предано забвению, хотя при жизни он пользовался громкой славой.

Вивальди отличался поразительной работоспособностью. Он написал огромное количество сочинений - около 40 опер и около шестисот инструментальных произведений.

Вивальди – символ гармонии, света и красоты в музыкальном искусстве.

Виталий Родионов

Антонио Вивальди родился в Венеции в семье цирюльника Джованни Баттисты Вивальди и его жены Камиллы 4 марта 1678 года. По легенде, в этот день в городе случилось землетрясение, воды лагуны окрасились в черный цвет, волны яростно бились о берег и с остервенением выбрасывали на причалы лодки. Поскольку младенец появился на свет раньше срока и едва подавал признаки жизни, он был поспешно крещен на дому повитухой, и лишь через два месяца был проведен официальный обряд крещения в церкви Сан-Джованни-ин-Брагора, о чем свидетельствует запись в метрической книге прихода.

Как любому мальчишке ему хотелось бегать с друзьями по запутанным лабиринтам венецианских улочек, забираться на горбатые мостики, перекинутые через каналы, качаться на привязанных к причалам гондолах. Но из-за мучившей с рождения астмы, или как тогда говорили «тесноты в груди», простые ребяческие радости были Антонио недоступны. Часто в одиночестве он сидел у воды, задумчиво глядел вдаль и впитывал запахи свежего бриза, водорослей, рыбы. Дышалось здесь легче.

Родной город подарил больному мальчику удивительное волшебство - музыку. Венеция была буквально пропитана ею. Отец Антонио был весьма недурным музыкантом. Он подрабатывал скрипачом в капелле Сан-Марко.

Антонио не пропускал ни одного выступления отца. Обычно они причаливали к дворцу дожей со стороны пьяцетты - маленькой площади между палаццо и библиотекой - и шли к базилике Святого Марка, украшенной драгоценными старинными мозаиками, которую венецианцы называли Золотая церковь. Отец отправлялся на балкон, где располагались музыканты, а Антонио крадучись забирался по винтовой лестнице к органисту и пристраивался в уголке.

Величественный храм славился не только красотой, но и изумительной акустикой. Стараясь не пропустить ни одной ноты, мальчик жадно впитывал музыку. Больше всего на свете ему хотелось приобщиться к этой божественной феерии звуков, и однажды мечта сбылась.

- Антонио, вытяни левую руку, - велел Джованни Баттиста.

- Зачем, папа? - удивился сын.

- Мне надо знать, какого размера купить тебе скрипку и смычок.

- Ты хочешь учить меня игре на скрипке? - прошептал Антонио, не веря своему счастью.

- Ну что ты придумал? Он же еще очень мал, - недовольно проворчала Камилла.

Муж не удостоил ее ответом и принялся измерять расстояние от худенького плечика сына до центра ладошки, внимательно изучая тоненькую кисть - длина пальчиков должна быть соразмерна грифу. Затем Джованни отправился в ближайшую лавку смычковых инструментов и купил подходящую скрипочку. Он же дал сыну и первые уроки.

Антонио усердно осваивал трудные скрипичные пассажи Арканджело Корелли, а параллельно учился играть на чембало - так итальянцы именовали клавесин. Ему исполнилось десять, когда перед важным концертом оркестра капеллы Сан-Марко внезапно заболел скрипач. Синьор Вивальди предложил в качестве замены своего сына. Капельмейстер Джованни Легренци, знаменитый композитор, скрипач и органист, сильно удивился - мальчик ведь еще слишком мал для столь ответственных выступлений, но иного выхода не было. Дебют маленького скрипача его впечатлил, и маэстро взял талантливого паренька под свое крыло: приглашал на домашние концерты, занимался с ним композицией и теорией музыки. Через три года Антонио уже сам начал сочинять. В 1695 году было напечатано первое из сочинений Вивальди.

Возможно, что пример Легренци, принявшего сан, натолкнул отца на мысль сделать из сына священника. К цирюльному делу он был явно непригоден. Музыка в те времена считалась ремеслом ненадежным, а церковнику положение в обществе обеспечено. Восемнадцатого сентября 1693 года пятнадцатилетнему Антонио выбрили тонзуру и дали звание «вратаря» - мальчика, отворяющего двери храма. Спустя шесть лет он стал аббатом-миноритом ордена францисканцев, но прослужил недолго. Из-за «тесноты в груди» во время мессы ему не хватало дыхания на пропевание псалмов, и Вивальди освободили от этой обязанности.

Но он не слишком расстроился, поскольку осенью 1703 года получил приглашение стать преподавателем скрипичной игры в Оспедале делла Пиета, дословно «Больнице милосердия», в Венеции, сочетавшем в себе воспитательный дом для особ женского пола и консерваторию, с вполне приличным годовым содержанием в шестьдесят дукатов. Антонио обучал девочек музыке, занимался с хористками вокалом, проводил репетиции оркестра и дирижировал концертами. Его воспитанницы пели как ангелы, играли на скрипке, органе, гобое, виолончели, флейте и фаготе, легко переходя от одного инструмента к другому. Перед Вивальди открылись возможности для воплощения своих самых смелых творческих замыслов. Он с упоением писал кантаты, оратории, хоралы, гимны и сонаты.

Девочкам новый преподаватель пришелся по нраву. Молодой, остроумный, доброжелательный, он так виртуозно играл на скрипке! А какие у него выразительные глаза и волосы с медовым отливом. Прозвище «Рыжий священник» закрепилось за Вивальди на всю жизнь.

В это время Антонио получает известность и как скрипач-виртуоз. Из его четырехсот пятидесяти сохранившихся концертов примерно половина написана для скрипки с оркестром. Послушать Антонио съезжались меломаны со всей Европы. В 1706 году он впервые выступил во дворце посольства Франции в Венеции, в 1709 году среди его слушателей был датский король Фредерик IV.

Невысокий, узкоплечий, в черной сутане с белым воротничком, Рыжий священник выходил на сцену, касался смычком струн - и публика подпадала под магию чарующих звуков. Венецианцы говорили, что скрипка Вивальди умеет петь человеческим голосом, плакать, жаловаться, умолять.

Особую яркость выступлениям придавали каприччо - темпераментные импровизации, не внесенные в партитуры, слишком сложные для исполнительской школы того времени. Франкфуртский юрист Иоганн Кристоф фон Уффенбах вспоминал: «Под конец Вивальди проигралsoloпросто изумительно. А к нему присоединил фантазию, которая прямо привела меня в ужас, ибо подобным образом никогда еще не играли, да и вообще невозможно играть, так как между пальцами и подставкой едва можно было проложить соломинку, а для смычка вообще места не нашлось бы. И играл он на всех четырех струнах фуги с такой проворностью, что и поверить нельзя» .

В 1713 году Вивальди обратился к новому для себя жанру - опере. И это неудивительно. Опера в Венеции была всенародной любимицей, она соединяла в себе и музыку, и драматический сюжет, и зрелищность, и запутанность интриги, и образы-маски.

Успешный дебют «Оттона на вилле» открыл Антонио двери лучших сценических площадок Венеции. Здесь он поставил «Нерона, ставшего Цезарем», «Коронацию Дария», «Постоянство, торжествующее над любовью и ненавистью» и в тридцать пять лет занял должность импресарио театра Сант-Анджело. Отныне он сам выбирал сюжеты для опер, боролся с капризами певцов, дирижировал оркестром. При этом писал неимоверное количество произведений и преподавал в приюте Милосердия.

В 1719 году австрийский наместник в Мантуе принц Филипп фон Гессен-Дармштадтский предложил Вивальди престижное место капельмейстера при своем дворе, и тот на три года покинул родной город.

В Мантуе случилось событие, повлиявшее на всю его дальнейшую судьбу. Антонио встретил семнадцатилетнюю Анну Жиро, начинающую оперную певицу, дочь французского постижера. В своих мемуарах Карло Гольдони нарисовал ее портрет: «Она была некрасива, но очень изящна, тонкая талия, красивые глаза, прекрасные волосы, прелестный ротик. Имела небольшой голосок, но несомненное актерское дарование» . Другие современники отзывались об Анне как о певице с приятным, хотя и скромным меццо-сопрано. Вивальди взялся развивать ее вокальные способности и, кажется, серьезно увлекся подопечной.

Когда он вернулся в Венецию, Анна с матушкой и старшей сестрой Паолиной отправилась следом. О недопустимой интрижке монаха судачил весь город: «Обет безбрачия предписывал отцу Вивальди противостоять соблазнам, а вместо этого он влюбился» . Венецианцы тут же окрестили Анну «подругой Рыжего священника», несмотря на то что композитор представлял знакомым синьорину Жиро только в качестве своей самой «прилежной ученицы».

Но Антонио не обращал особого внимания на пересуды, продолжал заниматься с Анной вокалом, писал для девушки главные партии в операх, ездил с ней для представления своих сочинений в Прагу, Вену и Амстердам. Именно в тот счастливый период он создал удивительный по красоте цикл знаменитых скрипичных концертов «Времена года». Идея родилась у Вивальди в поездках по городам Италии - Виченце, Флоренции, Мантуе. Мелькающие за окнами дилижанса зеленые холмы Тосканы, долины, покрытые ярким ковром разнотравья, натолкнули на мысль запечатлеть в музыке различные состояния природы, в которых угадывалась бы параллель с этапами жизни человека - рождением, расцветом, зрелостью и увяданием. В 1723 году он написал, а спустя два года издал в Амстердаме цикл из четырех концертов под названием «Весна», «Лето», «Осень» и «Зима». Пассажи скрипок в них поразительно точно передавали и удары капель дождя в стекло, и грозу, и веселый бег ручьев, и пронизывающую зимнюю стужу.

Для карнавального сезона 1727 года Вивальди сочинил восемь опер и во всех занял Анну. В те дни Венеция преображалась: одна часть горожан, облачившись в маскарадные костюмы, дефилировала вдоль каналов, другая с восторгом на них взирала. Распахивались высокие окна дворцов, через подоконники перебрасывались пестрые ковры, на балконах красовались дамы в золотых и пурпурных одеждах. Толпы стекались на площадь Сан-Марко, где выступали фокусники, жонглеры и акробаты. Затем праздник стремительно выливался на узкие улочки Венеции, сопровождаемый музыкой, танцами, шествием масок, парадом гондольеров.

Сан не позволял Вивальди участвовать в шумных уличных забавах, но выступать в домах венецианской знати не возбранялось. На последний день карнавала - «Жирный вторник», когда устраивалось самое большое обжорство, сопровождаемое обильными возлияниями, Антонио с синьориной Жиро пригласили в палаццо семейства Пезаро на Гранд-канале. Но пробраться сквозь ликующую толпу до ожидавшей гондолы оказалось делом непростым. Маэстро, чтобы его не узнали нахлобучил широкополую шляпу, лицо прикрыл полумаской, а под широким черным домино спрятал скрипичный футляр. Удобно устроившись в гондоле, они хохотали как дети.

Сочинения Антонио имели огромный успех и на карнавалах в Риме. Первая его поездка состоялась в 1723 году, он представил там новую оперу «Геркулес на Термодонте». Известный флейтист и композитор Иоганн Иоахим Кванц вспоминал: «Публике так понравился «ломбардский стиль» Вивальди, что с тех пор она не хотела слушать другой музыки» .

Со временем молва о необыкновенном венецианском виртуозе в сутане дошла и до ушей папы римского Бенедикта XIII, и тот выразил желание с ним познакомиться. В Апостольском дворце музыканта встретил секретарь и проводил к понтифику. Помимо него в покоях находился какой-то человек в светском платье. Новый глава Ватикана, как и многие его предшественники, слыл поклонником живописи, поэзии и музыки. Говорили о Венеции, о службе синьора Вивальди в приюте Милосердия, о его сочинениях. Потом папа попросил гостя взять скрипку. Антонио сыграл несколько своих пьес, удостоился похвалы и намеревался откланяться, но тут Бенедикт XIII жестом подозвал незнакомца.

- Знакомьтесь, Пьер Леоне Гецци. Один из моих предшественников назначил его живописцем римской курии. И синьор Гецци так метко изобразил наших прелатов, что те страшно обиделись. Но думаю, я все же разрешу публикацию этих работ, - улыбнулся понтифик.

- Позволите сделать шарж и на вас, отец Вивальди? - поинтересовался художник.

- С удовольствием, люблю посмеяться над собой, - ответил композитор.

Гецци взял лист бумаги, обмакнул перо в чернила и быстрыми штрихами набросал длинные завитые волосы, тонкие губы, выступающий подбородок и большой крючковатый нос. Вивальди пришел в восторг: « Вы абсолютно точно подметили. Обожаю везде совать свой длинный нос» .

Оригинал карикатуры Гецци «Рыжий священник» до сих пор хранится в библиотеке Ватикана.

В 1737 году Антонио собрался ставить свои новые оперы в Ферраре, но архиепископ Томмазо Руффо запретил композитору въезд в город. Он припомнил Вивальди все: и независимый характер, и издание сочинений у голландских протестантов, но главное - Анну. «Архиепископ Руффо не желает видеть в своем городе священника, который вместо того чтобы служить мессы, связался с певичкой» , - заявили ему.

Возмущенный Вивальди пишет своему покровителю в Ферраре маркизу Гвидо Бентивольо, прося добиться отмены запрета: «Ставить оперу, не присутствуя при этом, не могу, не желая рассчитывать на чужие силы при таком значительном денежном риске» .

Увы, маркиз помочь не смог. Архиепископ не желал ничего слышать. «Если даже мне прикажет сам папа, не отменю решения», - высокомерно заявил он. Итог оказался плачевным: оперы, поставленные другим человеком, успеха не имели, вложенные средства пропали и солисты из-за сорванных контрактов подали на Вивальди в суд.

Не испытывала прежнего восторга от его произведений и родная Венеция. Появились новые кумиры, и музыка Вивальди теперь казалась устаревшей. Измученный долгами и бесчисленными судебными исками, опечаленный охлаждением поклонников, Вивальди решил перебраться в Вену. Маэстро уехал, продав консерватории рукописи своих концертов сначала по два с половиной дуката за штуку.

Антонио прибыл в Вену в неудачное время. 20 октября 1740 года внезапно скончался Карл VI, и началась война за австрийское наследство. Одинокий маэстро оказался в разоренной стране, где ни он сам, ни его музыка больше никого не интересовали. Все попытки найти какую-то работу были тщетными, а заделаться уличным музыкантом не позволяла гордость.

Цепь нескончаемых несчастий привела к обострению болезни. Страдая от приступов астмы, Антонио почти не выходил из дома.

В ночь с 27 на 28 июля 1741 года шестидесятитрехлетнего композитора не стало. Приглашенный хозяйкой квартальный врач составил свидетельство о смерти, указав, что «преподобный Антониус Вивальди, священник, умер от внутреннего воспаления». Из-за жары похороны состоялись в тот же день на госпитальном кладбище, всего в полумиле от дома, где квартировал Вивальди. За скромную плату в девятнадцать гульденов и сорок пять крейцеров, под «малый колокольный звон» музыкант, некогда принадлежавший к числу знаменитейших людей Европы, был погребен в могиле для бедняков.

Место захоронения Антонио Вивальди в Вене не сохранилось. Вскоре после его ухода музыкальный мир, некогда трепетно внимавший каждой ноте композитора, забыл своего кумира. Лишь Иоганн Себастьян Бах оставался верным почитателем. Перекладывал его скрипичные концерты для клавира и органа, осваивал композиторскую технику Вивальди и указывал в письмах, что наследие итальянца служит ему источником вдохновения. Остальным же понадобилось почти два столетия, чтобы заново открыть и оценить музыку Вивальди.

Своим вторым рождением Вивальди обязан туринскому музыковеду Альберто Джентили, который занимался активным поиском его произведений. Помимо находки в монастырском колледже Сан-Карло, Джентили разыскал автографы композитора и на генуэзской вилле семейства Дураццо. Уникальная коллекция Джентили включала в себя триста концертов, девятнадцать опер, ораторию, духовные и светские вокальные сочинения.

Утерянные партитуры находят до сих пор. В 2010 году в Национальном архиве Шотландии обнаружили концерт Вивальди для флейты, двух скрипок, альта и виолончели под названием «Великий Могол». Ранее это произведение лишь упоминалось в торговом каталоге одного голландского книготорговца XVIII века. Долгое время манускрипт хранился в семейном архиве маркизов Лотиан.

Фильмы о Вивальди

Личность композитора всегда привлекала внимание кинорежиссеров, которые по биографии Вивальди сняли несколько картин, рассказывающие о жизни музыканта.

• «4» (документальный фильм, 2007)

• «Вива, Вивальди» (Франция, 2000)

• «Вивальди в Вене» (1979)

• «Вивальди, принц Венеции» (Франция, 2006, режиссёр Жан-Луи Гийерму)

• «Вивальди, рыжий священник» (Великобритания, Италия, 2009, режиссёр Лиана Марабини)

• «Антонио Вивальди» (США, Бельгия, 2016)

• «Сказки старого пианино. Антонио Вивальди» (мультфильм, Россия, 2007, режиссёр Оксана Черкасова)

Источники:

1. Антонио Вивальди – итальянский Бах . - Текст : электронный // В мире музыки : о музыке, авторах и исполнителях. - URL: https://vmiremusiki.com/antonio-vivaldi.html (дата обращения: 28.02.2023).

2. Антонио Вивальди . - Текст. Видео : электронные // Soundtimes.ru. - URL: https://soundtimes.ru/muzykalnaya-shkatulka/velikie-kompozitory/antonio-vivaldi (дата обращения: 28.02.2023).

3. Антонио Лучо Вивальди . - Текст : электронный // Биограф. - URL: https://biograph.online/antonio-vivaldi/?utm_referrer=https://yandex.ru/ (дата обращения: 28.02.2023).

4. Антонио Лучо Вивальди . - Текст. Видео : электронные // Биограф. - URL: https://biographe.ru/znamenitosti/antonio-vivaldi/ (дата обращения: 28.02.2023).

5. Белова, Нина. Рыжий священник / Нина Белова // Караван историй. - 2018. - № 3. - С. 146-161.

6. Великие композиторы : 26 удивительных историй, среди которых А. Вивальди, Ф. Шопен, П. И. Чайковский, И. О. Дунаевский, А. И. Хачатурян, Д. Д. Шостакович, Иоганн Себастьян Бах, Вольфганг Амадей Моцарт, Сергей Рахманинов, Сергей Прокофьев : аудиокнига / авт.-сост. Мусский С. А. ; читают: А. Бордуков, А. Золотницкий. - Москва : СОЮЗ, 2010. - 1 эл. опт. диск (CD-ROM) : зв. (498 мин.) . - (Время. События. Люди!).

7. Лихачев, Иван. Лекция об Антонио Вивальди / Иван Лихачев ; публикация, вступ. заметка и примеч. П. Л. Вахтиной и Б. А. Каца // Звезда. - 2012. - № 9. - С. 155-166.

8. Махов, Александр. Вивальди - сотни вариаций на одну тему / Александр Махов // Исторический журнал. - 2008. - № 7. - С. 96-108.

9. Махов, Александр. Забвение и второе рождение гения / Александр Махов // Юность. - 2007. - № 5. - С. 21-23.

10. 50 музыкальных произведений, изменивших искусство / авт.-сост. Г. Токарев. - Москва : ЭКСМО, 2013. - 213, [3] с. : ил. - (Это важно знать).

11. Раабен, Лев Николаевич. Жизнь замечательных скрипачей : биографические очерки / Л. Раабен. - Москва ; Ленинград : Музыка, 1967. - 311, [1] с., [8] вкл. л. ил.

Составитель: ведущий библиограф Артемьева М. Г.